结合艺术与工艺精神、彻底展现白瓷之美的德国瓷器品牌赫昀柏林hering berlin，於今（2023）年迎来30周年，品牌创办人赫昀女士（Stefanie Hering）选定台湾为纪念展《演化－Evolution》亚洲首站，本展由宽合国际艺术总监陈依廷策划，网罗上百件生活瓷作品，并邀集摄影、新媒体创作等跨界共演，试图拓展大众对瓷器的想像。展出时间自2023年3月13日至4月30日，於台中西区老宅空间限时登场。

赫昀柏林30周年纪念展《演化－Evolution》於宽合艺廊K.H. Living Gallery展出。

装盛艺术灵魂的极致工艺

赫昀女士於1992年的柏林创办个人工作坊及瓷器品牌赫昀柏林，她致力采用不上釉的素胚白瓷，并以具有严谨线条和结构的形状、节制或有目的性的装饰及绘画，加以几乎被遗忘的工艺技术，在当时陶瓷产业低迷的氛围中，找到新的破口。其「让艺术走进生活」的理念受到众人喜爱，不仅国际着名博物馆与名人时尚圈争相收藏、米其林星级餐厅与名厨指定使用，士绅名流家中的餐桌日常也均可看见赫昀柏林的身影。台湾餐厅如态芮 Taïrrior、Impromptu by Paul Lee、AD Astra、栗林里、盐之华、文公馆、简天才Restaurant Thomas Chien、树也ChooArt Villa等均可体验到赫昀柏林餐瓷的细致之美。

赫昀柏林创办人赫昀女士。

赫昀柏林以精湛的白瓷餐器闻名。

展览6大亮点

01｜回顾赫昀柏林30年创作轨迹

展览位於台中市西区的三层楼老宅中，一楼「瓷器博物馆」从经典作「创造星空」开始，自草创到成熟，带出近百件生活瓷作品，展示墙横跨一至三楼墙面，演译赫昀柏林30年足迹的精彩风华；一旁的大圆桌摆设也出自赫昀女士之手，将东方华人「圆满」意象融入西式餐瓷中，打造中西合璧的美学共演。一楼後方则设置了工坊的示意空间，在此可以一窥赫昀柏林的产制过程。

展场一隅。

大圆桌摆饰呈现圆满意象。

赫昀女士於展览现场，三层楼高的展示墙布满赫昀柏林30年的创作轨迹。

二楼为一精巧的走道露台，从这里可以换一个角度欣赏壮观的墙面展示。三楼展间相对一楼的商业性质，则更具概念性，可以说是反映了赫昀女士的创作心理——同样在「创造星空」的迎接下，极简的展间中摆放着「雕塑白瓷再生系列Extrapositions」作品，此系列受到泰国黑陶土的高度韧性启发，赫昀女士创作出兼具俐落棱角与起伏平面的大型雕塑，在不完美的美中，展现其身为艺术创作者追求材料极限的执着。

大圆桌上的大水晶灯同样为赫昀柏林挑战口吹工艺极限的大师之作。

工坊区域呈现赫昀柏林创作的景象。摄影：Carol Chien

「悸动Pulse」系列细致的纹理均为手工描绘。

02｜MoMA藏品「创造星空Cielo」首次亮相亚洲

赫昀柏林看似单纯、无过多坠饰的作品，其实都是奠基於宛如机械般的精湛工艺。以赫昀女士第一项代表作、被MoMA收藏的「创造星空Cielo」为例，其盘面上的每一个孔洞都是人工手动钻出，未烧制的瓷土极为易碎，且仅有短暂的黄金时间适合加工，是对技术的精准、速度及稳定的一大考验，且因其为纯手工制作，每一个「创造星空」都是独一无二的。本展为「创造星空」首次於亚洲展出，若想一睹其风姿，务必把握时间前往。

「创造星空Cielo」有着如繁星般的孔洞。

「创造星空Cielo」每一个孔洞都是由精湛的手艺制成。

03｜零距离接触重启感官想像

位於三楼的「雕塑白瓷 再生系列Extrapositions」作品，共分为平滑的「丝绒Velvet」以及具有立体条纹的「悸动Pulse」两种类，观者可以用手触摸其表面，感受白瓷宛如婴儿肌肤的细致触感，进而理解材质如何透过最纯粹的设计说故事，回归最初始的感动。

「雕塑白瓷 再生系列Extrapositions」展场一隅。

左为平滑的「丝绒Velvet」、右为具立体条纹的「悸动Pulse」。摄影：Carol Chien…

以身体为对话、雕塑为转译，台北市立美术馆（北美馆）「未来身体：超自然雕塑」展览，由德国图宾根艺术馆馆长妮可．芙丽兹（Nicole Fritz）与德国图宾根文化交流协会麦斯米兰．雷泽（Maximilian Letze）共同策画；集结23位国际艺术家，从不同面向，开放向後人类时代提问。

（左）派翠西亚・佩奇尼尼，《幼苗》。 /（右）派翠西亚・佩奇尼尼，《葛拉姆》。图像由台北市立美术馆提供。

直截以视觉挑战观者思辨，「未来身体：超自然雕塑」用生而为人的肉体，拼接环境、科技等复杂讯息，在围绕强烈氛围的作品场域，推进未来生存样貌的可能性。如果说ChatGPT的议题已成为颠覆科技与人类发展史的炙热引信？那麽，北美馆的未来身体展览，更将让你深入反思全球80亿人类的生猛未来式！

至圣，《体内（M1）》。图像由台北市立美术馆提供。

以「人」为关系，思考未来

历经翻腾世界的疫情，这几年，关注未来风向的各式议题的确骚动着。3年後，登入後疫情时代的我们，除了明显感受到自然环境剧烈震荡，也意识到人类生活框架的不堪一击及身体的脆弱；於此同时，由元宇宙到AI科技介入日常生活的普及性，更在在持续颠覆人类世界。甫於北美馆登场的「未来身体：超自然雕塑」，试图归纳梳理出「混种人」、「後自然」、「艺术家4.0」、「科技 人类 变体」四个主题，以新创肉体的形式，陈述身体的解构与重构、人与环境及机器之间的关系、与当中隐含的欲望与伦理议题。这些主题，不是个别上的分类或架构，而是总结过去60年的超写实及写实雕塑作品，窥探生态与人类的处境、使人体成为一种运用科技介面的未来总观。

（左）安娜・杜米楚与艾力克斯・梅伊，《古菌机器人：後奇异点与後气候变化时代的生命形式》。（右上）伊萨・根泽肯，《演员III之3》。（右下）法比安・梅勒，《蝴蝶》。图像由台北市立美术馆提供。

共同策展人之一的麦斯米兰．雷泽（Maximilian Letze）在专访中，更如此说道：「我们并不是企图透过展览来回应任何问题，而是希望透过这些作品，让观众产生反思、并对未来提问。就连规划观展路线时，我们也考虑着每件作品之间的讯息与互动，期望观者从场域中，就能直觉生成一种对作品的感知。虽然说展场分为四个主题，但其实大部分的作品都已经带着强烈讯息，甚至比四个主题还要强大。」

超活力，《西方神明》。图像由台北市立美术馆提供。

写实或荒诞？端看你怎麽解读！

直观缝合其他物种、谈论人类栖地变化、基因演化、重塑生态系等议题现象，「混种人」展区，以探究混种生命体的奇异概念，揭开意味悠远的推论波涛；像是澳洲雕塑艺术家山姆・詹克斯（Sam Jinks）在作品《犬头》中，就以一副蕴含精微肌理细节的狐狸头与男子混合身躯，阐述人类不只是人类、也是动物的寓意，进而带出人类脆弱、老化的生存处境与自然本能。进入「後自然」主题展区，作品不仅着眼大自然如何在基因转殖与人工科技中被交互挪用，亦传达人类对环境的破坏性变化及物种的极限。策展人麦斯米兰．雷泽推荐的伊山・贝哈达（Hicham Macuga）作品《预兆 2019年5月9日10时15分》，也以化学物质之间的相互作用，产生微生态宇宙，藉此探讨所谓的能动性（Agency），「他刻意把『人』从当中抹除，让人去思考到底这件作品的创造者是艺术家、还是化学物质？并探讨所谓的创作或创造，是不是一定要产生什麽？还是它是可以被避免的？这些论点很有趣，也呈现出一种正面意义。」麦斯米兰．雷泽这麽说道。

伊山・贝哈达，《预兆2019年5月9日10时15分》。图像由台北市立美术馆提供。

山姆・詹克斯，《犬头》。图像由台北市立美术馆提供。

而派翠西亚・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）的《挽歌》，则是以男人捧着似鱼的奇异物种，平实描绘人与自然间的温柔时刻；麦斯米兰．雷泽说：「我很欣赏派翠西亚・佩奇尼尼作品中对於人生的思辨，她能诉诸观众感官、使其产生同情共感的情绪；在她的作品中，亦提出许多对於社会道德观的思考及一些睿智想法，诉说一种人类同舟共济、同为一体的正面能量。」

派翠西亚・佩奇尼尼，《挽歌》。图像由台北市立美术馆提供。

科技对於艺术创作的影响力

进入「艺术家4.0」展区，观者也似乎贴近一种未来身体对於完美不朽的想望。我们该如何与所谓的未来机器人共处、交流或同理？AI是否最终能付诸人类独有的幻想、直觉或创造性？这些作品，都是让寓意无限延伸的子题。安德罗・韦库亚（Andro Wekua）的《无题》以没有灵魂的半机器人作品，阐述未来人类与科技装置的共存方式；作品中女孩右手的抖动，是唯一看得出生命跳动的指标，艺术家也藉由作品中不安与诡异的氛围，强化观者对科技与人类并存的提问。

而反诘各种科技和数位转型发展交合对人类内在、外在、心理、生理层面影响力的「科技 人类 变体」展区，彼特・兰德（Peter Land）和乔许・克莱恩（Josh Kline）的《神童》、《不用找钱了》两样作品，就是一个很好的对话；「来自以社会福利着称的丹麦艺术家彼特・兰德和来自美国制度、劳工受到保护相对比较少的乔许・克莱恩，能从生长背景及作品上，轻易看到两者之间的不同观念。不管是社会压力还是科技对於就业市场或社会结构有什麽样的影响，这都是艺术家想要探讨的课题。」麦斯米兰．雷泽继续说道。

彼得・兰德，《神童》。图像由台北市立美术馆提供。

乔许・克莱恩，《不用找钱了（德州路边餐厅服务生的手臂握着开瓶器）》。图像由台北市立美术馆提供。

而第9届柏林双年展的瑞典籍参展艺术家安娜・乌登伯格（Anna Uddenberg），则是将扭曲的女性雕塑与行李箱融为一体，她在作品《野蛮人 #7（零重力）》中，分别以不同物件、呼应当代对於女性的不同要求，进而扭曲地陈述社群媒体上网红们对於「理想形象」的荒诞追求。麦斯米兰．雷泽说：「安娜・乌登伯格谈论女性形象的这个作品，我觉得是观众很容易能够看懂的；她的身体变得扭曲、然後有各式各样的冲突，让作品产生共感的剧烈效果。」

安娜・乌登伯格，《野蛮人 #7（零重力）》。图像由台北市立美术馆提供。…